Alexis Rossell es un músico venezolanonacido en la ciudad de Coro estado Falcon .Su obra refleja una mezcla de talento y originalidad ya que logra fusionar ritmos de diferentes tipos entre los cuales sobresale la música venezolana con matices de rock y jazz, pero siempre dando énfasis a la música tradicional venezolana. Ejecutor del arpa llegando a niveles sobresalientes y excelente compositor, forma la agrupación Venezuela Joven a mediados de la década del setenta y graba, de manera independiente y con un tiraje limitado, el álbum Alexis Rossell y su Venezuela Joven. Este disco sería la base para que el sello Top Hits le diera un contrato discográfico que garantizara la mayor difusión de su música. Con una banda integrada por Jorge Salamanca (teclados), Gustavo Montaño (guitarra, mandolina), Luis Gonzáles (cuatro), Gustavo Sandoval (bajo), Alfredo Morales (batería), Omar Amaya (percusión) y Pedro Talavera (congas), graban el álbum Alexis Rossell y su Venezuela Joven (1977), manteniendo la mayoría de los temas de su álbum inicial. La agrupación que le acompaña continuamente cambia de integrantes y son muchos los músicos que compartirían su talento musical con Alexis Rossell. Para su segundo álbum, Vuelo del Icaro (1979), ya se han producido cambios en la banda la cual tiende a estabilizarse con la edición de El Cordonazo (1980). Durante toda la década de los ochenta publica las grabaciones Torbellino (1981), Es Navidad (1981), Sangre Negra (1982), Al Rescate (1983), Zapatico de Navidad (1984) y Desde el Infinito (1988). Para cada grabación se suceden los cambios de integrantes y se reafirma el sonido de la música tradicional. A pesar de la alta calidad de sus grabaciones, a partir de 1988 se detiene la edición de sus producciones y hasta el presente no ha sido posible que sea re-editado su trabajo en formato CD. Hizo numerosas presentaciones a través de todo el país destacando su participación en la conocida Gira de las Siete Estrellas (1981) donde compartió escenario con agrupaciones de la talla de Resistencia, Témpano, La Misma Gente y Esperanto. Junto con la obra de Vytas Brenner y La Ofrenda, Alexis Rossell ha presentado una de las propuestas musicales más interesantes en Venezuela, caracterizada por la experimentación y fusión, pero manteniendo siempre como elemento primordial la música venezolana. A través de Management Enterprises, se edita el CD Haciendo Algo Diferente (2007). Participa en el evento Un Homenaje Para Vytas (2015) realizado en Caracas.
Discografia
Alexis Rossell y su Venezuela Joven (s/f)
Alexis Rossell y su Venezuela Joven (1977)
Vuelo del Icaro (1979)El Cordonazo (1980)
Torbellino (1981)
Es Navidad (1981)
Sangre Negra (1982)
Al Rescate (1983)
Zapatico de Navidad (1984)
Desde el Infinito (1988)
La Maravillosa Música de Venezuela (1982)
Haciendo Algo Diferente (2007)
Agustín Castellón Campos (16 de marzo de 1912, Pamplona, Navarra, España – Nueva York, EE.UU., 14 de abril de 1990), conocido como Sabicas, fue un guitarrista español, considerado maestro de la guitarra e impulsor de la internacionalización del flamenco. Fruto de esta internacionalización surgió la fusión del flamenco con otras corrientes musicales.
Biografía
Primeros años
Sabicas nació en el número 7 de la calle Mañueta de Pamplona. Sus padres, gitanos dedicados a la venta ambulante, fueron Agustín Castellón Gabarri y Rafaela Campos Bermúdez. Durante su infancia vivió en esa misma calle, en la de Jarauta, o en la cercana localidad de Villava.
Según él, el apodo procede de su pronunciación infantil de la palabra habas:
«De chiquito, aquí, en Madrid, mi mamá mandaba a la criada a la compra, y cuando venía yo metía la mano en la cesta y sacaba las habas y me las comía con cáscara y todo. Mi mamá me miraba: ‘Pero, hijo mío, estás na más que con las habas. Te voy a poner habas, y habas, habas, habicas’. Y de las habas, la-s-habicas, me quedó Sabicas.»
Influencias
Esencialmente autodidacta, comenzó a tocar la a la edad de cinco años, cuando sus padres le compraron una guitarra por 17 pesetas. Él mismo aprendió a afinarla y a tocar las primeras notas. En su estilo inicial, sin embargo, reconoce la influencia de dos guitarristas. De su tío Ramón Montoya aprendió la vertiente clásica: el manejo de la mano izquierda, y con ello los primeros acordes, los arpegios y los trémolos. De Manuel Gómez Vélez, Manolo el de Huelva o Niño de Huelva, la vertiente gitana: el manejo del pulgar y con él los primeros ritmos y melodías.
Comienzos artísticos
Con siete años actúa en público por primera vez en el teatro Gayarre, y con diez se traslada a Madrid. Descubierto por Manuel Bonet, debuta en el teatro El Dorado (hoy Teatro Muñoz Seca) acompañando a La Chelito. De inmediato causa gran sensación en la capital y es descrito como un «fenómeno». Según testimonio del propio artista,
«tocaba un fandanguillo y levantaba una mano y me quedaba con una mano sola y aquello fue una bomba.»
transcripción de Norberto Torres
Por entonces se le empezó a conocer como Niño de las habicas o Niño Sabicas. Durante los años veinte irá adquiriendo tablas en diversos locales madrileños dedicados al flamenco, especialmente Villarrosa. Sin embargo, será su extensa colaboración con importantes cantaores de la época la que le llevó a desarrollar un estilo único:9 Niña de la Puebla, Juanito Valderrama, Estrellita Castro, Niña de los Peines, El Carbonerillo o Niño de la Calzá, a algunos de los cuales acompaña también en sus grabaciones. Ya en los años treinta es reconocido como uno de los grandes guitarristas españoles.
Entre sus discípulos se cuenta, entre otros, a Paco de Lucía y el joven y talentoso Javier Conde.
Exilio
Abandonó España en 1936 durante la guerra civil española, de ahí se escaparon, por la noche, cruzando los Pirineos, y el camino de Santiago, hacia Francia, donde tomaron un barco a América. Llegando primero a la Argentina. Después de unos años se enfrentaron con otra guerra civil en Argentina, con Perón y Evita. En donde también conoció a Libertad Lamarque, actriz argentina, de ahí marcharon todos exiliándose, en México en primera instancia, con la bailaora Carmen Amaya, cuya familia se estableció definitivamente en esa ciudad. En la Ciudad de México conoció a Esperanza Gonzalez Erazo, se casaron y tuvieron 4 hijos: Maricruz, Carlos, Agustín, y Margarita. Ambos realizaron juntos varias giras y se estableció más tarde en Nueva York. En donde llegó a actuar en el Radio City Music Hall durante una gala benéfica, retransmitiéndose en formato de telemaratón en WOR-TV (Channel 9). Actuó junto a la artista española Rosa Morena, con la que interpretó “Angelitos negros”, por bulerías. Coincidiendo además, con artistas americanos como Frank Sinatra, Dean Martin, Judy Garland, Sammy Davis, Jr., Candido, entre otros. Este acontecimiento fue organizado por la fundación UCP (United Cerebral Palsy) de Nueva York, presidida por Leo Hausman. No regresó por primera vez a España hasta 1967 y siempre que lo hizo fue brevemente. Fue precisamente aprovechando su llegada a España en septiembre de 1967 cuando tuvo lugar un homenaje al gran guitarrista en los jardines de La Alcazaba, en Málaga, como invitado de honor en la IV Semana de Estudios Flamencos de Málaga, en el que intervinieron, entre otros Enrique Morente, Paco de Lucía, Serranito, Manuel Cano y un jovencísimo Rafael Morales; al finalizar, el alcalde de Málaga le impuso al gran maestro Sabicas la Medalla de Oro de la ciudad, únicamente concedida en ediciones anteriores a Pastora Imperio y Manolo Caracol.
En el «Carnegie Hall» de Nueva York se le tributa lo que sería su último homenaje el diez de junio de 1989, falleciendo en esa ciudad al año siguiente, con setenta y ocho años de edad.
Grabaciones
Su primer álbum en solitario, Flamenco Puro (1961), se convirtió en un hito de la historia de la guitarra flamenca. Pero en Rey del Flamenco, seis años más tarde, se sitúa a un nivel aún superior.
Cabe resaltar también los primeros pasos dados por el flamenco junto con otras corrientes musicales. Así, abrió la puerta de la fusión del flamenco con el rock en la grabación de «Rock encounter» junto a Joe Beck en 1966, aunque publicado en 1970. Lo que en un principio fue un mero experimento, que ni siquiera fue muy valorado por él, terminó convirtiéndose en un primer paso en la vereda que engrandecieron más adelante las bandas del llamado rock andaluz.
Estilo e importancia
Sabicas, que obtuvo varios discos de oro, tuvo gran importancia en la introducción del flamenco a públicos de fuera de España y del resto del mundo hispanohablante.
Más tarde, diría en una entrevista:
«La guitarra flamenca no se había tocado nunca nada más que en España, y no todo el mundo, muy poquita cosa. Entonces, desde que salieron mis discos, en los últimos treinta años, la gente se aficionó a la guitarra flamenca en cualquier lado del mundo.»
Como ejecutante, Sabicas marcó un punto de inflexión en la técnica de ejecución de la guitarra flamenca al introducir nuevos conceptos en la ejecución, destacando por su velocidad y limpieza de ejecución y por su técnica de la mano derecha4
«Ciertamente, sin Sabicas la guitarra flamenca no sería hoy lo que es. En su tiempo hizo una revolución que dejó estupefactos a los entendidos. Aportó soluciones técnicas tremendamente complicadas, de enorme dificultad, jamás inventadas por nadie antes. A la vez, un raro sentido de la capacidad expresiva del instrumento le llevó a componer música de inédita belleza, a la que sus predecesores apenas se habían aproximado.»
Puede entonces decirse que antes de Sabicas había cosas imposibles de hacer con una guitarra. Después de él, ya no. Por ello es que en el mundillo, tanto entre los guitarristas de otros géneros como entre las firmas fonográficas, siempre se le trató bajo el adjetivo de virtuoso. No podría ser de otro modo, puesto que este hombre llevó a la guitarra flamenca -considerada hasta la década del ’50 como un instrumento solamente destinado al acompañamiento del cante- a una dimensión inimaginable antes de la tremenda irrupción de este auténtico fenómeno musical. Por otro lado, Sabicas rompió con el cliché de que solamente los andaluces podían tocar la guitarra perteneciente a este género, logrando creaciones de un sentido estético superior, así como de mayor aroma e intensidad flamencos que las piezas compuestas por la gran mayoría de sus contemporáneos nacidos en el sur de la península.
Discografía Parcial
Flamenco on Fire (versión retitulada de The Art of the Guitar)
Fiesta flamenca
Queen of the Gypsies (con Carmen Amaya, 1959)
¡Flamenco! (con Carmen Amaya, 1972)
Flamenco puro (1961)
Flamenco Styles on Two Guitars (con Mario Escudero)
The Fantastic Guitars of Sabicas and Escudero (1959)
Sabicas La historia del flamenco doble LP (1969)
Recital de guitarra flamenca (vol. 1,2,3)
From the Pampas to the Rio Grande (con Mario Escudero)
Festival gitano (con Los Trianeros)
Sabicas, Volúmenes 1-3 (1957–1958)
El rey del flamenco (1965)
Soul of Flamenco (1960)
Flamenco Reflections (1963)
Rock Encounter (con Joe Beck, 1970)
Flamenco Fantasy (1960)
Flaming Flamenco Guitar (1963)
Flamenco virtuoso (1961)
Nueva York / Granada (con Enrique Morente) (1990)
Sixteen Immortal Performances (antología de grabaciones ABC-Paramount, 1972)
Solo Flamenco (1959)
El duende de la guitarra flamenca
The Art of the Guitar (1976)
Tres guitarras tiene Sabicas (1969)
Flamenco histórico
Guasak4 es una agrupación Formada en Maturin ,Venezuela cuenta con un estilo mezclar musica folklorica venezolana con géneros como rock .pop,ska, jazz y musica latina.
El producto de tantos viajes a un conservatorio desde Maturín a Caracas en búsqueda de conocimientos del cuatro solista, produce que los jóvenes Daniel Requena y Héctor Medina a edad 16 años tomen la iniciativa de hacer música. Es en el año 2009 cuando estos jóvenes deciden hacer un proyecto llamado “Dúo Cambur Pintón,” con el cual debutaron por primera vez compartiendo escenario con el maestro Huáscar Barradas y la Orquesta Regional del Estado Monagas. Este proyecto ocasionó impacto en el estado meses haciendo crecer a la agrupación crece con la incorporación a sus sus conciertos de bajo eléctrico, maracas y percusión tomando así el nombre de Guasak4 , elnombre surge de la palabra Guasacaca una salsa Venezolana que suele servirse como acompañamiento de las parrillas, pollo asado,etc y el numero 4 en como el instrumento folcklorico que ambos integrantes intrerpretan .
El gusto y el sabor que tiene uno de los aderezos favorito del venezolano, la guasacaca, se convierte en el punto de partida para comenzar a darle sabor al cuatro y a la música; grabando su primer demo de 3 temas en octubre del 2009 titulado “Volveré Salseando.”
Desde ese entonces el virtuosismo y el sabor venezolano van mezclados en el repertorio nacional e internacional de estos jóvenes, logrando la aceptación del público y llevándolo a grandes escenarios, compartiendo con artistas de la talla de: Gualberto Ibarreto, Oscar D’León, Rafael “Pollo” Brito, Serenata Guayanesa, Buena Vista Social Club, Cecilia Todd, Huáscar Barradas, Kiara, María Teresa Chacin, Rummy Olivo, Luis Silva, Marcial Istúriz, Horacio Blanco, Asier Cazalis, Eddy Marcano, Goyo Reyna, Ensamble Gurrufío, Mario Suárez, Eduardo Betancourt, Trío Nueva Colombia, entre otros. Han hecho presentaciones en importantes eventos nacionales e internacionales en países como: Argentina, Colombia, Cuba, Francia, Irán, Perú y Uruguay.
En el 2014, Guasak4 fue nominado a los Premios Pepsi Music como “Artista Refrescante”, y su disco, “Sabor Guasak,” como “Disco Música Raíz Venezolana Instrumental.”
Actualmente, Guasak4 se encuentra realizando su tercera producción discográfica titulada “Tributo Latino, ” la cual contará con un recorrido musical latinoamericano haciendo tributo a los grandes compositores e intérpretes de la música de la región, demostrando una vez más el sabor venezolano a través del instrumento nacional: el cuatro.
Pedro Martín José María Suárez-Vértiz Alva (nacido en Callao, 13 de febrero de 1969), es un músico, cantante, compositor, productor y escritor peruano. Luego de pertenecer al grupo Arena Hash, con quien realizó dos discos, empezó su carrera como solista y lanzó con éxito los discos (No existen) Técnicas para olvidar (1993), Póntelo en la lengua (1996), Degeneración actual (1999), Play (2004), Talk Show (2006) y Amazonas (2009).
Primeros años
Hijo de Hernando Suárez-Vértiz (hijo del pintor Salvador Suárez-Vértiz ),1 y Rosa Alva, nació el 13 de febrero de 1969, en el Hospital Naval del Callao, esto debido a que su madre y abuelo materno pertenecieron a la Marina de Guerra del Perú. Es hermano mayor del también músico Patricio Suárez-Vértiz. Pasó toda su infancia y adolescencia en San Isidro, frente al parque El Olivar.
Al año, Pedro alineaba los adornos de su casa como un xilófono y los golpeaba con una varita para sacarles melodías. Su padre le compró inmediatamente una vieja celesta Dulcitone, su primer instrumento musical. Recién luego de varios años se le pudo comprar un piano.
A los 9 años en el Colegio María Reina, en 1978, compuso por el Día de la Madre un relato sobre las reflexiones sobre el nacer. Ya en secundaria sus escritos empezaron a ser musicalizados al formar una primera banda con su hermano y amigos llamada Paranoia.2 Posteriormente, formó el grupo Arena Hash, en el cual tocaba la guitarra, componía y cantaba todas las canciones.
Paralelamente a su carrera musical con Arena Hash, ingresó a la Universidad de Lima y eligió la carrera de Ciencias de la Comunicación, la cual culminó con una extensa tesis sobre el fenómeno del liderazgo, graduándose a los 21 años en la especialidad de radio, cine y televisión.
Carrera artística
Arena Hash
Pedro Suarez Vértiz formó junto a su hermano Patricio su primer grupo al que llamaron Paranoia. Poco tiempo después, a los 17 años de edad, fue gestor de la banda Arena Hash en 1985 y firmó con el sello discográfico CBS tres años más tarde. El grupo lanzó dos exitosos discos: Arena Hash (1988) y Ah Ah Ah (1991).
Carrera como solista
Luego de los dos discos compuestos con Arena Hash, decide lanzarse como solista. En 1993, lanzó su primer disco como solista titulado (No existen) Técnicas para olvidar con temas como «Cuéntame», «Globos de gas» y la balada «Me elevé». Gracias a este disco obtuvo un contrato con Sony Music-Miami.
En 1997, lanzó su segundo disco titulado Póntelo en la lengua con temas como «Los globos del cielo», «Mi auto era una rana» y «Me estoy enamorando». El disco superó las 40 mil copias vendidas y obtuvo Triple Disco de Platino.
El tema «Mi auto era una rana» musicalizó la película peruana No se lo digas a nadie, mientras que «Me estoy enamorando» fue el característico de la telenovela chilena A Todo Dar, realizada por Mega en 1998.
En ese mismo año, luego de la Super Feria de la Molina (Julio), un canal de televisión realizó un especial llamado «Hecho en el Perú», en su segunda edición, esta vez con el rock, para lo cual Pedro formó un minigrupo con Patricio Suárez-Vértiz, German Gonzales y Anna Carina.
En 1999, lanzó su tercera producción titulada Degeneración actual, en la que figuran temas como «Degeneración actual», «Un vino y una cerveza», «Alguien que bese como tú» y «El tren sexual». Los temas se escucharon en Ecuador, Colombia, Chile, Panamá, Honduras, El Salvador, Guatemala, Estados Unidos, México, Holanda y Japón, países a los que viajó para dar conciertos.3
En 2003, lanzó su primer disco de grandes éxitos titulado Anécdotas, donde recopila los éxitos de sus tres primeros discos.
Para su siguiente producción, terminó su relación con Sony Music y lanza con su propio sello Solver Label el disco Play (2004), donde destacan los temas «Bailar», «Lo olvidé» y «Cuando pienses en volver».
En 2005, su tema «El Triunfo tan Soñado» fue el himno de la Copa Mundial de Fútbol Sub-17 que se celebró en Perú, que luego se incluiría en su siguiente producción discográfica.3
En 2006, lanzó su disco Talk Show, con temas como «No llores más morena» y «Como las mariposas», el cual se incluyó en el soundtrack de la película Talk Show.
En 2007, lanzó su segundo disco recopilatorio donde repasa los éxitos de los álbumes Play (2004) y Talk Show (2006). Para este disco Pedro firma con la disquera Warner Music (España).
En 2009, Pedro Suárez-Vértiz presentó Amazonas, bajo la producción de Thom Russo. Esta fue grabada entre Los Ángeles y Londres. Como primer sencillo lanza el tema «Amazonas», canción latina representativa de Expo-Zaragoza ’08. La canción, además, identificó la campaña «Reciclar Mueve el Mundo» del Ayuntamiento de Madrid en España con motivo del «Día Mundial del Medio Ambiente». El segundo sencillo, «Nadia», canción que interpretó a dúo con el tenor peruano Juan Diego Flórez, tema que en noviembre entra al Billboard entre las 50 mejores canciones.
En 2010, realizó una gira por el interior del país, Estados Unidos y España. El mismo año, Suárez-Vértiz lanzó Amazonas Uncut, edición especial de su anterior disco.
En 2011, realizó presentaciones en Madrid y en las ciudades italianas Milán y Roma.
En 2012, tuvo una participación especial en el videoclip «Me Cansé» de la cantante peruana Anna Carina.
En 2013, Suárez-Vértiz y GianMarco grabaron el álbum recopilatorio El encuentro que contiene 16 temas, acompañado de un libro de gastronomía, el cual ha sido editado por una agencia bancaria para sus clientes.
En 2014, produjo el evento «Cuando pienses en volver» un homenaje a su música con la presencia de muchos artistas peruanos e internacionales.
Vida personal
Pedro está casado con Cynthia Martínez, con quien tiene 3 hijos.
Desde el año 2011, Pedro Suárez-Vértiz manifestó una evidente mala dicción. El mismo explicó que era producto de un desorden nervioso muscular, que se evidencia con la edad, sumado a un déficit de atención crónico que lo hace lucir extremadamente distraído y enredado al hablar. Esto afecta en forma importante su canto.
Pedro declaró arrepentirse de haber proclamado su defecto, pues solo provocó la atención sobre este. Ha reducido sus entrevistas y ha aumentado sus shows porque se le ha recomendado cantar como terapia rehabilitadora.11 En 2013, alejado de los escenarios. publicó su primer libro, «Yo, Pedro».
Discografía
Álbumes de estudio
(No existen) Técnicas para olvidar (1993)
Póntelo en la lengua (1996)
Degeneración actual (1999)
Play (2004)
Talk Show (2006)
Amazonas (2009)
Álbumes recopilatorios
Lo Mejor de Pedro Suárez-Vértiz Vol. 1 (2000)
Lo Mejor de Pedro Suárez-Vértiz Vol. 2 (2001)
Anécdotas (2003)
Pedro Suárez-Vértiz (2007)
Ponerme a Volar (2011)
El Encuentro (2014)
Samuel es un famoso cantautor venezolano, cuyo verdadero nombre es Ramón Rosado. Dio sus primeros pasos en el mundo de la música en el género de la «gaita zuliana», de donde es oriundo.
Carrera
Participó en varias agrupaciones de corte tropical bailable; en la orquesta La Máxima y Carangano, de Venezuela en las que cosechó éxito, experiencia y perfilando su figura artística.
En el año 1997 editó en Venezuela su primera producción dentro del género pop balada titulada Samuel. Con la canción «Vendaval», de su autoría, comenzó su éxito discográfico al ser incluida como tema central de la telenovela Ilusiones, transmitida en Venezuela por RCTV y retransmitida a más de 10 países en América Latina y Asia, convirtiéndose en un artista internacional; lo mismo ocurrió con la canción «Solamente Fuego», del mismo álbum, la cual fue tema central de la telenovela Llovizna, de igual éxito de difusión y ventas.
Con el lanzamiento de su última producción, «Sal y Agua», Samuel se consolida como una de las figuras más importantes dentro de la música contemporánea en el país y el número uno en su género. La canción «Si yo no te tengo a ti», de su autoría, fue seleccionada como tema central de la telenovela mexicana «SALOMÉ», la cual acaparó por más de 16 semanas consecutivas los primeros lugares de popularidad en toda Venezuela.
Samuel ha regresado con su nueva producción discográfica, SAMUEL, en la que eleva su compromiso profesional y con el público amante del latin pop, ya que en él covergen el sentimiento y expresión vocal y su lírica con el beat latino que ha hecho famoso a su productor.
En este disco además participan como invitados grandes nombres dentro del mundo de la música latina como el sonero del mundo Oscar D’León en el tema «Que le den», con quien hace un dúo lleno de poder y alegría contagiante; el famoso cantautor cubano Jon Secada, quien con la amabilidad y el profesionalismo que le caracteriza dirigió la grabación de la voz de SAMUEL en el tema «Lloré un mar entero»; el puertorriqueño, cantante y actor Shalim brindó su bella voz en los coros del tema «Di que no»; el flautista venezolano Huascar barradas, acompaña dulcemente el tema «Desde que te vi» y la preciosa ex cantante de Miami Sound Machine Carla Vanessa (Cantante) hace un lúdico y fascinante dúo en el tema «Dueño de tu amor».
Con un sonido impecable, con el más alto nivel técnico este nuevo álbum es sin duda alguna una gran opción para un público amante de la propuesta de este cantautor, y una nueva y poderosa forma de enamorar a quienes apenas le descubren por primera vez.
Samuel es considerado uno de los más completos artistas de la música popular en el país. Dentro de su formación profesional destacan estudios de canto, teoría y solfeo, piano, guitarra y locución.
Influencias
Roberto Carlos, Sandro de América, Los Ángeles Negros, Chucho Avellanet , Joan Manuel Serrat, antes ahora y siempre; Super combo Los tropicales, Billos Caracas Boys, Cardenales del éxito, Santanita, Luis Perico Ortiz, Roberto Roena y su Apollo Sound, Tito Allen, Tito Rodríguez, Guaco (banda), Irakere, Héctor Lavoe, Willie Colón, Rubén Blades antes y ahora; Gloria Estefan y Miami Sound Machine, Camilo Sesto, José Luis Rodríguez «El Puma», Julio Iglesias, Ivan Lyns, Vinicio de Moraes, Caetano Veloso, Gal Costa, D. Javan, Dave Grusin, Manhattan Fransfer, Barry Manilow, Al Jarreau, Miguel Bosé, Sting (músico).
Discografía
Samuel (2009)
Sal y agua (2002)
Samuel (1997)
Eumir Deodato (22 de junio de 1942, Río de Janeiro) es un músico brasileño, productor y compositor de arreglos basados principalmente en el jazz, pero conocido por su diseño y composiciones eclécticas de la unión de diversos géneros musicales, como el rock, el pop, el R&B, el Jazz-funk y la música de orquesta.
Principalmente, sus temas pueden considerarse pop jazz y también covers. Su éxito como artista original se dio en los años 70 y desde entonces ha producido más de 500 álbumes para bandas como Kool & the Gang y Björk. Intérprete de temas como Así Hablaba Zaratustra y otros éxitos, y arreglista instrumental para artistas como Frank Sinatra y Vinícius de Moraes.
Biografía
Brasil
Deodato nace en Río de Janeiro, el 22 de junio de 1942, de padres Italianos y Portugueses. Músico autodidacta, comenzó con el acordeón a la edad de 12 años, pero rápidamente obtuvo aptitudes instrumentales y orquestrales, que culminaron con su primera sesión de grabación, a la edad de 17 años. Originalmente, trabajaba como pianista y arreglista en Río, durante la escena del bossa-nova, y escapó junto con otros músicos brasileños de la Dictadura Militar en Brasil, mudándose a Nueva York y trabajando con Luiz Bonfá y, más tarde, con el productor Creed Taylor como arreglista y tecladista.
Inicio de su carrera
Su primer álbum en los Estados Unidos, Prelude, al público en 1973, fue considerado con un estilo de Big Band y música Latin Jazz y atrajo a una nutrida audiencia. Su genial versión funky de la obra de Richard Strauss, Also Sprach Zarathustra le valió el premio Grammy por Mejor Interpretación Pop/Instrumental, en 1974. Ganando el lugar No. 2 en el Billboard de Estados Unidos y el No. 7 en el Reino Unido y fue usada en la película Being There.
Deodato 2 (nombre de su segundo disco) si bien tuvo la misma calidad y estilo, no alcanzó las ventas esperadas y prácticamente desapareció a la disquera Creed Taylor Inc. En sus tempranas grabaciones, se apoyó del guitarrista John Tropea y al flautista de Jazz fusion, Hubert Laws. Deodato siguió grabando hasta los años 1980 bajo el sello discográfico Kenya, pero no logró alcanzar totalmente el éxito que obtuvo con Prelude.
Dos de sus canciones, Latin Flute y Super Strut, son tocadas dentro del juego Grand Theft Auto: Vice City, y pertenecen al sountrack del mismo juego, titulado Radio Espantoso.
Productor y Arreglista
Deodato ha estado en demanda como productor y adaptador desde los años 1960. Ha trabajado en más de 500 álbumes, 15 de los cuales han alcanzado el Disco de Platino. Su habilidad como arreglista le proporcionaron la entrada a la industria americana de la grabación, escribiendo partituras para Wes Montgomery, su compañera brasileña canta-autora Astrud Gilberto y, más notablemente, para Frank Sinatra, en su álbum (considerado de Bossa Nova) Sinatra & Company. Otras colaboraciones notables son con Kool & the Gang, en los años 1980 y en el disco de Björk, Homogenic. Ha colaborado también en el soundtrack de varias películas, como Bossa Nova, Ghostbusters II e incluso El Exorcista.En el 2007 participa en el Disco homenaje a Enio Morricone. También colabora en disco «Mundo Feliz» del músico Gallego Juan Rivas donde realiza arreglos para la canción El amor que me das.
Discografía
(1964) Inútil Paisagem
(1972) Percepção
(1973) Prelude
(1973) Deodato 2
(1974) Whirlwinds
(1974) Deodato/Airto in Concert
(1974) Artistry
(1975) First Cuckoo
(1976) Very Together
(1978) Love Island
(1979) Knights of Fantasy
(1980) Night Cruiser
(1982) Happy Hour
(1985) Motion
(1989) Somewhere Out There
(2002) Summer Samba
(2007) » Eumir Deodato Trio Live in Rio»
(2010) «The crossing»
Es un músico estadounidense de origen latino famoso por ser baterista y voz de la banda Rare Earth.
Peter Rivera nació y se crió en Detroit. Su padre trabajaba en una fábrica, mientras que su madre se quedó en casa. Cuando tenía 9, unos vendedores de una tienda de música llegaron a su casa y le venden a su gente en un paquete de 30 lección de música en la batería. Aunque Pete toco en el escenario a la edad de 5 con cucharas a un récord de su padre le dio, que no tenía otra experiencia musical en una infancia por lo demás normal. No tenía más remedio que dejar de tocar después de sólo tres clases ya que su familia no podía permitir. Durante años Peter practica su batería en un viejo y destartalado tambor que él consiguió para la Navidad con el sonido de un tocadiscos, tiempo y ritmo de aprendizaje. Después de guardar su dinero trabajando 2 rutas de papel, Peter compró un conjunto de tambores chispa de oro. Este fue el comienzo de una larga y exitosa carrera detrás de la batería.
Después de conocer a un par de toques de la guitarra, formó su primera banda de the Sultans. Practicaron durante un par de años hasta que un día Pete fue visto en una iglesia social por parte de los miembros de una banda popular, el Sunliners. Los Sunliners le preguntó a Pete a la audición, pero que al final no pidiéndole a unirse a su banda. Sin embargo, un año después, lo vieron de nuevo y esta vez lo querían. Después de mucho trabajo incansable y la práctica, el Sunliners finalmente consiguió un trabajo tocando en un club nocturno correr por 5 noches a la semana. Fue el comienzo que necesitaban.
A medida que pasaron los años de club en club, Los Sunliners se estaban convirtiendo rápidamente en uno de los mejores grupos de Detroit. Los Sunliners tenían un problema sin embargo, la falta de material. Peter se le preguntó si podía cantar inyectar una nueva dosis de sonido y material a la lista de canciones. Pete comenzó a cantar dos canciones, pero rápidamente sus actuaciones creció a treinta canciones todas las noches!
Estar en Detroit, Motown consiguió el viento de la banda y se ofreció para hacerles grabar unas cuantas noches para ver qué podían hacer. Este era su «gran oportunidad» en la industria de la grabación.
Los Sunliners cambiaron su nombre a la tierra rara y el álbum «Get Ready» salió y llegó a vender millones. Se llegó a grabar varios discos de oro y platino, y tuvo éxitos como «Get Ready», «Nacido para pasear», «(I Know) Estoy Losing You», «Hey Big Brother», y «Sólo quiero celebrar».
Años de gira acompañado de Pete en todo el mundo, y en 1970 se casó con Dabar. Tenían 43 años juntos hasta su muerte prematura en 2013. Ellos plantearon 3 hijos que todo iba a las carreras deportivas profesionales. Hoy Peter excursiones y escribe material para sus proyectos musicales y su último disco es «él es lo que es». La música es emocionante y habla a todo el mundo, y muestra su experiencia de vida está escrito en sus canciones.
Pete es considerado como uno de los principales cantantes / bateristas de todos los tiempos. Era la voz de todos golpea la tierra rara, así como el hombre detrás de la batería. Su pasión por la música y el talento sin igual gane le ovaciones de pie donde quiera que juegue.
No Mercy es un grupo de pop y música latina formado por Frank Farian en Florida en 1995, consistiendo su actual formación en Marty Cintron III (nacido el 24 de septiembre de 1971) y por dos hermanos gemelos, Ariel y Gabriel Hernández (nacidos el 3 de junio de 1971) de Miami, Florida.
Carrera
No Mercy lanzó su álbum debut homónimo No Mercy (retitulado en Australia como My Promise) y produjo dos sencillos que entraron a los Top 40 del Billboard Hot 100, incluyendo «Where Do You Go» (una versión de «Where Do You Go» de La Bouche de 1994) que llegó los 5 primero sencillos. El siguiente sencillo fue «Please Don’t Go» que llegó al puesto #21. A principios de 1997, No Mercy lanzó una balada romántica titulada «When I Die», de su primer álbum.
Realizaron una versión de la banda Exile, el sencillo #1 de 1978, «Kiss You All Over», que también llegó al puesto #1 en el Hot Dance Club Play en 1998.
El segundo álbum de No Mercy, More, incluyó sencillos como «Hello How Are You», «More than a Feeling» (sencillo de Boston) y «Tu Amor» (sencillo de Jon B., que más tarde también fue versionado por la banda mexicana RBD) que también tuvo mucho éxito.
En el 2002, el sencillo «Don’t Let Me Be Misunderstood», fue lanzado para promocionar el tercer álbum de estudio de No Mercy. El productor discográfico decidió adaptar la canción para el álbum debut de Daniel Lopes, Shine On, en el 2003. La banda lo invitó participar en uno de sus álbumes, en el sencillo «Summer Angel».
En octubre de 2007, No Mercy lanzó su tercer álbum, Day By Day, bajo el sello independiente Australiano, Show No Mercy Label Pty Ltd. y por vía iTunes.
Integrantes:
Marty Cintron : Guitarra y Voz
Ariel Hernandez: Voz
Gabriel Hernandez :Voz
Discografía
1996: No Mercy
1998: More
2007: Greatest Hits
2007: Day By Day
Andy Vivian Palacio fue un músico y cantante beliceño. Nacido el 2 de diciembre de 1960 en Barranco, localidad costera de Belice, murió el 19 de enero de 2008. Palacio alcanzó celebridad a finales de los años ochenta, cuando se convirtió en el músico más conocido de Belice y en un importante defensor de la cultura garífuna.
La orquesta de Palacio, llamada «el Colectivo Garífuna», inventó el “punta rock”, música inspirada en la danza tradicional de los garífunas. Palacio cantaba en garífuna, en arawakano, español e inglés. Entre sus cinco discos destacan Nabi en 1990 y Wátima en 2007.
Biografía
Palacio nació y se crió en el pueblo costero de Barranco y trabajó brevemente como profesor antes de dedicarse a la música. Recibió el premio al «Mejor Nuevo Artista» en los premios de la música caribeña en 1991, y se le otorgó póstumamente los Premios BBC3 de World Music Award en la categoría de las Américas, en 2008.
Contribuciones a la música y los medios de Belice
Además de la música tradicional garífuna que jugaba, Palacio absorbe los diversos sonidos difundidos por radio desde el vecino México, Guatemala, Honduras, Cuba, Jamaica y los Estados Unidos. Palacio persiguió sus ambiciones musicales en una serie de bandas de la escuela secundaria, que abarca una diversidad de música popular desde el extranjero. Atraídos por los ideales de la revolución nicaragüense, se unió a la campaña de alfabetización en la región de la costa de África, Caribe-amerindia de esa nación, y desarrolló una apreciación más profunda de sus propias tradiciones culturales y lingüísticas amenazadas. Esas ideas se abrieron paso en su propia creatividad, lo que influye para ahondar más profundamente en las raíces de la música garífuna.
Palacio volvió de Nicaragua para descubrir la aparición de nuevo orgullo Garífuna en su cultura e identidad, un desarrollo expresado de manera espectacular en la repentina popularidad de la punta rock, una fusión de música tradicional garífuna con la guitarra eléctrica y las influencias de R & B, el jazz y el rock and roll . El Shell de la tortuga de la banda original, dirigido por el músico beliceño garífuna y pintor Delvin «pluma» Cayetano, estalló en la conciencia nacional en la década de 1980 al igual que Belice obtuvo su independencia. La invitación de Shell de la tortuga de la banda para llevar a cabo con su mentor de Isabel Flores (un legendario percusionista y cantante garífuna, ya fallecido) en el 1983 New Orleans Jazz y Heritage Festival animó a Andy Palacio de seguir una carrera musical.
En 1987, después de Pen Cayetano rechazó una invitación para trabajar en Inglaterra con las asociaciones culturales Limited, una organización artística de la comunidad, Palacio intervino. Volvió a Belice seis meses después con la experiencia profesional, una perspectiva ampliada, y las conexiones que condujo a su participación con el proyecto de grabación de la salida del sol de corta duración, el primer esfuerzo para registrar, documentar, conservar y distribuir la música de raíces de Belice. Al año siguiente, la carrera de Palacio despegó, impulsado por las grabaciones en casetes de amplia circulación dadas a conocer por la salida del sol, y una serie de invitaciones para representar Belice musicalmente en el Festival Internacional de Cultura del Caribe (Cancún), Carifesta VI (Trinidad y Tobago), CARIFESTA VII ( St. Kitts-Nevis), el Festival de la selva tropical Música del mundo (Malasia), el Antillanse feesten (Bélgica), el tradicional Festival mundial de las Artes (Japón) y un sinfín de actuaciones en los Estados Unidos, Canadá, Colombia, Francia, Alemania y Gran Bretaña .
Dos grabaciones aclamados por la crítica en la etiqueta Stonetree, única compañía discográfica de Belice, cimentaron la fama de Palacio en el país, al tiempo que refuerza su estatura como embajador cultural en el extranjero más importante del país. Grabado en La Habana y Belice, Keimoun (1995) exhibió talento vocal y la composición del Palacio, la incorporación de primer nivel artistas del estudio cubana y Belice. El primer CD que se produce en Belice, Keimoun poner al país en el mapa de músicas del mundo, y está listado por The Rough Guide como uno de 100 grabaciones esenciales de América Latina y el Caribe. Dos años más tarde volvió con Til Palacio Da mawnin, una enérgica mezcla de música de baile respaldados por los mejores instrumentistas y cantantes de Belice.
Nombrado Embajador Cultural de Belice y el subadministrador del Instituto Nacional de Cultura e Historia en 2004, Palacio dedicó a la preservación de la música y la cultura garífuna. En 2007, años de trabajo con el proyecto Garífuna All-Stars de la Stonetree de Palacio se convirtió en realidad con el lanzamiento de la aclamada Wátina álbum. Wátina contó con un equipo de varias generaciones de músicos garífunas de Belice, Guatemala, y Honduras (incluyendo al cantante Paul Nabor octegenarian) que profundizó en los ritmos y canciones tradicionales garífunas. El álbum fue un éxito de crítica que atrajo la atención de todo el mundo para la gente garífuna, la cultura y el idioma. Gracias a Wátina, Palacio fue nombrada Artista de la UNESCO para la Paz y ganó el prestigioso WOMEX premio en 2007.
Palacio sirvió más adelante como director del Instituto Nacional de Cultura e Historia y fue nombrado embajador cultural. Él liberó a más de cinco discos originales comenzando con Nabi en 1990. También viajó ampliamente la promoción y la realización de su música.
Palacio acogió brevemente un programa de televisión en el canal 5 que lleva su nombre y que ofrecen obras de beliceños. También escribió el tema musical para el noticiero de Canal 5.
El 14 de marzo de 2007, Palacio lanzó su último álbum de estudio, Wátina , que consideraba su obra maestra. El álbum cuenta con las colaboraciones de otros artistas garífunas prominentes incluyendo Paul Nabor y fue producido por Ivan Duran en Stonetree Records.
Crítica de la enfermedad y la muerte
El 16 de enero de 2008, Palacio de repente cayó enfermo con dos «convulsiones derrame cerebral-como» aparentes en su casa de San Ignacio y hospitalizado en Belmopan y más tarde la ciudad de Belice . En la ciudad de Belice Palacio se refirió a ir a Chicago para recibir tratamiento médico más especializado a través de ambulancia aérea , pero su estado se deterioró de manera constante en el camino. Durante la parada de la aduana de los Estados Unidos en Mobile , Alabama , Palacio fue encontrado inconsciente y llevado a un hospital local, donde su pronóstico se consideró sombrío. Su familia pidió que regresara para que pudiera morir en su país de origen. De acuerdo con un comunicado de prensa de su sello discográfico, Cumbancha , Palacio murió en la ciudad de Belice a las 21:00 hora local el 19 de enero de «un derrame cerebral masivo y extenso al cerebro, un ataque al corazón e insuficiencia respiratoria «.
El músico beliceño compañeros de Fuentes Orales , un amigo, habría dicho en respuesta a su muerte:. «Soy en verdad muy triste al escuchar la noticia de Andy que pasa que he conocido durante años … Andy como un compañero de beliceño me siento el dolor . Belice ha hecho perder un héroe «.
Discografía
álbumes
Greatest Hits (1979)
Keimoun (ritmo de) (1995)
Da hasta mawnin (1997)
Wátina (2007)
La Movida Acústica Urbana tambien conocida como «MAU» es un proyecto musical compuesto por músicos de diferentes agrupaciones venezolanas que comparten una visión artística: música Venezolana original, como : Los Sinvergüenzas, Kapicúa, C4 Trío, enCayapa, Nuevas Almas y Kamarata Jazz, etc. Ademas de contar con la colaboración de artistas de diferentes bandas , generos y epocas.
Estilo
El estilo de MAU consiste en versional temas de pop/rock nacional de forma acústica mezclada con música folclórica venezolana con el cual el proyecto ha tenido gran aceptación .
Diego “El Negro” Álvarez fue el de la idea de mezclar géneros y generaciones distintas. “A nosotros sólo nos juntaron las ganas de hacer música. Me pareció bonito tocar los temas de esos chamos talentosos en géneros de raíz tradicional. Y se nos escapó de las manos, ninguno era consciente de lo que pasaba con todo esto”, dijo el percusionista caraqueño, que forma parte de la Movida Acústica Urbana (MAU).
Rock & MAU
Rock & MAU es el concierto que organiza Diego “El Negro” Álvarez en el que reúne integrantes de varias de las bandas de rock del país y en el que cantan muchos de sus éxitos, en versión acústica, acompañados por los integrantes de la MAU. La primera edición se realizó el 26 de diciembre 2011 en el Trasnocho Lounge, pero el espacio quedo corto y la gente pedía más, por ello se organizó una segunda edición el 3 de marzo 2012 en el Teatro de Chacao, esta vez con dos funciones, donde participaron 28 artistas en escena, entre ellos: Integrantes de Malanga, La Vida Boheme, Rawayana, Nana Cadavieco y Viniloversus, quienes compartieron tarima con Alvaro Paiva, Eric Chacón, César Natera, Jorge Torres, Edward Ramírez, Manuel Rangel, Luis Freites y Leowaldo Aldana.
El álbum de Rock & MAU se grabó en cuatro sesiones. Doce temas conforman la producción, que tuvo a Germán Landaeta como ingeniero de audio. Dos canciones de cada una de las bandas (Nana Cadavieco, Malanga, Rawayana, Viniloversus, La Vida Bohème y Caramelos de Cianuro) integran la lista. Todos con cuatro o maracas, que le dan un nuevo sonido.
Escuchar 2013, el tema de rock de Viniloversus que aparece en su álbum Si no nos mata, en joropo tuyero es una experiencia distinta a la original. Hasta los miembros de la agrupación quedaron sorprendidos por los arreglos que hicieron. “A mí me gusta más la versión de la MAU que la nuestra (…) Trabajar en conjunto influyó a todos. Ya se ve esa mano negra en los trabajos independientes de las otra bandas”, dijo Rodrigo Gonsalves, que espera que el proyecto sea apenas el inicio de futuras colaboraciones musicales.
A Asier Cazalis, el líder de Caramelos de Cianuro, el trabajo le sirvió de inspiración. “A mí me funciona como punto de partida para otro disco. Rodearme de buenos músicos me hizo mejor a mí también. Ahora pienso cobrarme todos los favores de la MAU, utilizar a muchos de ellos para mí”, concluyó el propio vocalista. La unión de talentos hizo del rock algo más venezolano.
Historia
La Movida Acústica Urbana comenzó en Enero de 2007, presentándose cada miércoles desde finales de Agosto de ese mismo año hasta la fecha en Discovery Bar, donde han creado un espacio para la música creativa, además de expandir y fomentar otros ciclos en diferentes salas (Corp Banca, Teatrex, Escena 8, etc) y locales (Atlantique, La Guayaba Verde; Evio’s Pizza, etc). En Septiembre de 2008 celebraron su primer aniversario en Discovery Bar, con casi 500 personas de público. En Febrero de 2009 grabaron su primer disco en vivo en el mismo sitio ante más de 600 personas. Un CD doble agotado en su primera edición, que fue bautizado en Septiembre de 2009 en el Aula Magna de la UCV con dos grandes conciertos que sumaron 2500 personas y que contó con un despliegue técnico de tarima, sonido luces y video inédito para la música Venezolana, con los veinte músicos en escena y seis invitados especiales: Alfredo Naranjo, Miguel Delgado Estévez, Aquiles Báez, Eddy Marcano, Diego Álvarez “El Negro” y Huáscar Barradas. El registro de este concierto se hizo con la última tecnología de audio y video de alta definición, y pronto será lanzado al mercado en formato DVD.
Posteriormente se llevó a cabo un Rock & MAU sinfónico y actualmente se organiza el proyecto de la gira nacional Rock & MAU, además del lanzamiento del disco compacto de tan rica colaboración artística.
web oficial:
MovidaAcusticaUrbana@gmail.com
@MovidaAcUrbana
Fuentes: http://www.lamau.com
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